Camino al fotógrafo profesional: consejos, modelos a seguir & obras

FIV: Fotografen sind in Zeiten von Internet und Social Media nicht mehr wegzudenken und in fast jeder Nische zu finden. Wie bist du auf deinen Bereich gekommen? Gibt es eine Geschichte wie du dazu gekommen bist Fotograf zu werden?

Stefan: Meine Nische nenne ich einfaches Handwerk, Photographie. Das beherrscht nicht jeder, obwohl es den Anschein macht als würden das gesamte Social Media aus Photographen bestehen.
«Bobo – Der Jugendfreund meiner Mutter” ist meine Geschichte. Wir hatten viele Fotos Zuhause rumliegen, eines war ganz besonders – eine Selbstportrait-Doppelbelichtung von meiner Mutter und Ihm – das war der Grundstein für meine Photographie.

FIV: Als Fotograf ist man sehr oft unter Zeitdruck oder in Eile. was kannst du uns für Tipps geben die dir bei deiner Arbeit helfen das Ganze zu überstehen?

Stefan: Man kann nicht an der Uhr drehen! Meistens bin ich sehr vertieft in meiner Arbeit und lasse mich ungerne unter Druck setzen. Am besten ist es, die Uhrzeit nicht zu beachten. Und falls die Zeit nicht reicht, gibt es einen neuen Tag.

FIV: Deine Bilder scheinen einen gewissen Stil zu haben. Hast du ein Vorbild oder wovon lässt du dich inspirieren? Was möchtest du zum Ausdruck bringen mit deiner Arbeit?

Gedanken, Träumen, Persönlichkeiten, Phantasien

Stefan: Mis obras están compuestas por muchos pensamientos, sueños, personalidades, fantasías y momentos, la expresión es la propia fotografía. Si se puede llamar a eso “estilo”, no lo sé.

FIV: ¿Qué haces exactamente en tu trabajo y en qué debemos prestar especial atención? ¿Dirías que el trabajo puede volverse monótono? ¿Qué te motiva en tu trabajo y cuál es tu receta contra la falta de motivación?

Stefan: Mis obras se sitúan en la intersección de la modernidad, en la cual busco y abro nuevas posibilidades de representación y caminos a través de la invención de la fotografía y la confrontación con esta técnica.

Atención especial: Regresan motivos y posibilidades de representación del surrealismo, la abstracción, el expresionismo y el naturalismo, pero también de la fotografía temprana y del cine mudo. A pesar de la inspiración visible y las referencias a modelos históricos de arte, mis obras no son simples reproducciones o imitaciones. Más bien consigo captar la estética y trasladarla a temas actuales de imagen. De esta manera, mi lenguaje visual se utiliza en su efectividad para enfocar niveles del sueño, lo grotesco y el subconsciente. Por ello, en mis obras también están inscritas capas temporales que vinculan el pasado con el presente y, con su carácter visionario, estimulan fantasías y visiones.

O, para describirlo con palabras simplificadas: “La libertad mental es el aire que respiro. En general, estoy influenciado por la vida, me considero un observador y visualista que ama la simplicidad y el tiempo”. La limitación y el estancamiento me parecen increíblemente in natura. La perfección me es muy importante, y cuando la alcanzo, muestro lo imperfecto para potenciar lo perfecto, no puede volverse monótono.

FIV: Stefan, ¿dirías que ser fotógrafo es un trabajo normal como cualquier otro o se sacrifica también parte del tiempo libre al ser fotógrafo?

Stefan: Mi tiempo libre es muy importante, lo tomo conscientemente para reflexionar, recargar energías y sentir. Nunca sacrificaría mi tiempo libre, pues es un bien muy importante, algo que deberíamos valorar más, al igual que el aburrimiento.

FIV: Si te planteas la futura, ¿dónde te ves en cinco años? ¿Tienes algún plan? Seguro que ya tienes algunos proyectos en marcha.

Stefan: Para responder adecuadamente a esta pregunta, probablemente necesitaría cinco años. Actualmente trabajo en un proyecto llamado “SMPH”, que consta de muchas series diferentes. Hay muchos artistas involucrados, el proyecto vive con y a través del tiempo. Además, hay otros planes, así que la respuesta vendrá en cinco años…

FIV: En casi cada industria hay muchos buenos fotógrafos comerciales, ¿qué dirías de lo que hace que tu trabajo destaque frente a tu competencia?

Stefan: Todo lo que ellos pueden hacer, yo lo hago mejor.

FIV: Autonomizarse siempre es una empresa riesgosa y un gran paso. ¿De dónde viene tu autoconfianza para este paso? ¿Recibiste apoyo de alguien en especial?

Stefan: El ánimo proviene de mi madre. El apoyo siempre lo he recibido de mi esposa.

FIV: Sabemos que el trabajo de un fotógrafo implica mucha labor. ¿Trabajas solo o tienes empleados o socios que te ayuden en tu trabajo?

Stefan: En general hago todo solo, sin embargo, esto nunca sería posible sin mis ayudantes, asistentes, amigos y familia.

FIV: Tu estilo es muy artístico. Introduces en tus fotografías elementos como, por ejemplo, flores o juegos de sombras. ¿De dónde sabes cómo quieres representar al modelo? ¿De dónde sacas tu creatividad?

Stefan: Muchos elementos se utilizan conscientemente, otros surgen a través de errores. Los errores me impulsan.

FIV: Bajo tus imágenes (a veces incluso dentro de la imagen) hay citas. ¿Qué significado tienen estas citas para ti? O, dicho de otra manera: ¿De dónde sacas los títulos de tus series fotográficas?

Stefan: Las citas/títulos reflejan mi sensación personal, mis sentimientos.

FIV: Por último, algo que me interesa mucho es: ¿cuál ha sido hasta ahora tu mayor éxito? ¿Qué sentimiento experimentaste en ese momento?

Stefan: Fotografiar es mi vida, ocurre ahora y lo de ayer son recuerdos, mis fotografías. El mañana son mis pensamientos y mis sueños, son inciertos y libres.

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Luz y sombra para foto efecto tridimensional

Cuanto más brillante es la luz que cae sobre un objeto, más intensamente despliega todo su poder de representación. Pero a partir de un cierto punto de brillo, simplemente se tragaría formas y matices. La sombra es la contrapartida importante de esto. Mantiene un efecto de objeto realista o lo cambia en forma de contrastes agudos o débiles. Un rostro en la fotografía de retrato recibe su vivo resplandor a través del hábil juego de luces y sombras, la profundidad necesaria para representar la tercera dimensión a pesar de un plano bidimensional. Las arquitecturas pueden aparecer más grandes debido a la sombra delante o detrás de ellas o fusionarse esquemáticamente con un entorno de imagen. Los paisajes a la luz del mediodía parecen centellear de vida, mientras que las tomas matutinas o vespertinas capturan el silencio de estos escenarios. En principio, la luz, las sombras, los colores y los contrastes pueden ser retocados técnicamente. Pero el efecto fotográfico tridimensional sólo se crea en el sentido del fotógrafo cuando éste intenta establecer el óptimo de la luz disponible en una relación artísticamente ventajosa con la sombra.

Las direcciones de luz más importantes de un vistazo

La intensidad de la luz cambia, por un lado, por la distancia al objeto fotográfico y, por otro, por la dirección desde la que cae en el formulario. Esto cambia la dirección de la sombra, así como su tamaño e intensidad. Estas son las direcciones de luz más importantes para los fotógrafos:

• Es la luz que cae directamente sobre el objeto desde la izquierda y la derecha o que se amplifica desde un lado. Al iluminar, el fotógrafo puede colocar el objeto en su relación preferida con la luz lateral o ajustar la posición de la cámara.
• Esto también es luz lateral, pero en el lenguaje del fotógrafo se llama luz lateral extrema. La luz dispersa puede literalmente tragar las partes de un molde o darles un contraste particularmente nítido.
• La luz cae directamente desde detrás de un objeto a la cámara. Por lo tanto, el fotógrafo trabaja en la dirección de la luz, una técnica de tiro que los professionales tienden a disuadir a los principiantes. Pero si se utilizan con habilidad, pueden utilizarse para enfatizar o difuminar las formas laterales del borde del objeto.
• Aquí el fotógrafo se para frente a la luz y la luz cae sobre el objeto en la misma dirección. Correctamente, la luz trasera también se llama luz delantera porque es la dirección de la luz desde el punto de vista fotográfico.

Las mejores condiciones de iluminación para los objetivos fotográficos

Hasta aquí los detalles técnicos sobre la luz y sus direcciones con respecto a un objeto. El tipo de luz en la que la fuerza o suavidad es óptima en este momento se decide no sólo por el punto de vista professional sino también por el gusto personal del fotógrafo. Si no puede determinar esto exactamente en el momento de su foto objetivo (o si quiere dejar un poco de espacio), una serie de exposición ayuda a capturar la mejor relación de luz. Automáticamente, una buena cámara digital ofrece preajustes para el tiempo de exposición, la apertura y el enfoque. En lugar de tomar una foto bajo las mismas condiciones de iluminación, también es posible crear series de imágenes con pequeñas desviaciones utilizando ajustes manuales. Cuanto más complejas son las condiciones de iluminación, más matices pueden ser capturados por una serie de exposiciones. Posteriormente, estas series pueden ser evaluadas y la mejor puede ser presentada como la foto final de acuerdo al gusto preferido. Incluso durante el posprocesamiento, las series de exposición pueden utilizarse para comprobar qué proporción de luz y sombra establece el mejor enfoque para el fotógrafo.

Sintonización y contraste en fotografía de luz y sombra

Las fotografías atmosféricas se toman mejor a última hora de la tarde. La luz tiene un efecto cálido y viene de una dirección que ya es baja. Las sombras se hacen más largas y se pueden capturar tomas emocionalmente atractivas cambiando de dirección, incluso de naturaleza surrealista, y a menudo sin procesamiento posterior. Durante las horas de la mañana esto también puede tener éxito, sin embargo, la luz del día es entonces diferente, más bien brillante y menos «cansada». Estas horas seleccionan fotógrafos con afición por la arquitectura para sumergir sus edificios favoritos en fuertes contrastes y darles un aspecto llamativo. La luz de rayas y la luz lateral son ahora ideales para dibujos de contornos especialmente nítidos. La hora del almuerzo no es adecuada para cambios de humor emocionantes y contrastes impresionantes. En este momento la luz más brillante cae exactamente desde arriba, las sombras permanecen cortas, las posibilidades de exposición son realistas pero no espectaculares. La fotografía de retrato es más fácil que la fotografía de objetos rígidos cuando se utilizan las direcciones de la luz. No es el fotógrafo y el objetivo, sino el objeto en sí mismo lo que puede ser llevado a la mejor posición de luz por su propio movimiento y rotación. Seguramente es una cuestión de gusto si un objeto fotográfico se ve con bordes nítidos y un fuerte contraste o si casi se fusiona en un entorno de luz. Para encontrar el punto de disparo óptimo entre estos dos extremos, el fotógrafo de luz y sombra puede preferir ciertas horas del día y colores de luz. El horquillado de exposición ayuda a seleccionar la mejor representación de esta selección aproximada.

¿Qué cámara es la más adecuada para la fotografía de joyas?

En principio, los fotógrafos aficionados también pueden tomar fotos espectaculares de joyas con una cámara digital equipada de forma media. Los únicos requisitos para un buen éxito en la tecnología fotográfica son las opciones de ajuste manual para

• la resolución de la imagen (cuanto más alta mejor),
• la exposición
• la exposición
• el contraste
• Otra ventaja es un estabilizador de imagen, que hace que las tomas de detalle sean particularmente brillantes. Todos los demás preparativos dependen de la habilidad del fotógrafo.
• fondo óptimo,
• una buena iluminación de detalles
• un entorno de objeto amigable con la luz

se planifican antes de que la cámara haga la primera toma. Con un poco de práctica y poco a poco el ojo entrenado de un fotógrafo, las fotos se pueden tomar como si fueran directamente de la joyería. Si lo desea, puede incluso preparar una presentación fotográfica basada en las vitrinas de las joyerías.

El modo de cámara perfecta

No es la cámara digital media o la mejor cámara SLR la que proporciona la imagen perfecta. El modo de la cámara también es importante. A los principiantes les resulta difícil entender las abreviaturas o el uso de estos módulos. Benjamin le explicará las ventajas de estos módulos en pocos minutos. Con estas bases consigues convertirte en un professional en el campo de la fotografía de joyas.

Luz húmeda o mejor iluminación clara de la habitación?

Lo óptimo para las fotos de joyas es la luz blanca y dura, que brilla de forma bastante difusa sobre las joyas. El flash proyectaba reflejos y sombras nítidas, lo que empeoraba la toma. Las fuentes de luz adecuadas son las luces LED, las tiras LED o las lámparas de bajo consumo. Los tubos fluorescentes también se pueden colocar por encima de las joyas (o directamente debajo del tubo). Un truco contra fuentes de interferencia como reflejos o sombras es una luz bien construida por el usuario.

Una bola blanca, preferiblemente de plexiglás, es adecuada para ello. Si se le da una apertura del tamaño de una lente, se puede fijar a la cámara y así actuar como un pozo de luz para aislar ópticamente la pieza de joyería. Sin embargo, esto por sí solo no impide que las sombras no deseadas interfieran con la fotografía. Por esta razón, debe probar diferentes posiciones de la cámara de antemano para ver en qué posición las sombras caen menos por encima o por delante de la pieza. Incluso las sombras más pequeñas deben ser evitadas para una iluminación óptima.

Manipulación professional de la luz

Para tener una mejor visión del mundo de la luz, deberías ver el video. Hay 23 conceptos básicos de Light Former que se explican paso a paso en este clip. Para una fotografía de joyería algo professional, el A&O.

El fondo óptimo para una presentación de joyas exitosa

Las joyas deben brillar para que parezcan más nobles. Si el material de una pieza de joyería es bastante liso, por ejemplo, el cuero de una pulsera de cuero, un paño de seda teñido discretamente es adecuado como fondo, que se puede arreglar con unos pocos pliegues suaves. Pero el foco siempre permanece en el objeto fotográfico, la joyería. La tarea es elaborar sus detalles, es decir, poner el cuero suavemente en la luz, dejar que las piedras preciosas brillen o poner las cadenas de plata en el brillo óptimo.

Los primeros planos sobre un fondo neutralmente dispuesto amplían las joyas y muestran incluso los grabados más finos o las peculiaridades de un entorno de piedra. En lugar de un fondo oscuro, son preferibles los ambientes brillantes. Si esto no es posible debido a la naturaleza de la habitación, una lámpara de escritorio puede ayudar. Las joyas se presentan en este punto luminoso de tal manera que las zonas más oscuras alrededor de la zona de tiro no se muestran ventajosas.

inténtalo tú mismo – Sakis explica cómo funciona

Fotografía de joyas para catálogos, folletos, volantes o sitios web. ¿Necesitas a alguien que sepa de esto? En unos minutos Sakis te explicará cómo aprender a fotografiar joyas buenas y baratas. Con unas pocas herramientas, usted puede presentar sus joyas. Si te apetece, también puedes editar tus fotos con un programa de Photoshop.

Resultado: Con trucos sencillos puedes crear imágenes como las de la joyería

Para que la joyería se ponga en escena de forma óptima para una fotografía, se aplican reglas diferentes que, por ejemplo, en la fotografía de retrato. Mientras que los contrastes y las sombras crean emocionantes efectos visuales, ambos sólo perturbarían los detalles de una pieza de joyería. Las fotos de joyería son más exitosas si el objeto fotográfico se toma lo más aislado posible de otros efectos de sombra y luz y si se utiliza la luz natural como iluminación difusa.

Trucs et astuces pour les photographes amateurs

La formation de l’œil pour un motif réussi est très importante, car elle peut transformer un photographe amateur en un expert ambitieux. Cependant, il faut aussi un certain talent, un sens de l’intuition, un bon motif et la meilleure façon de le mettre en œuvre. En même temps, un photographe a besoin d’une bonne connaissance de la conception d’images, car seule la combinaison de l’intuition, de la formation oculaire et d’une expertise complète permet d’obtenir des images extraordinaires qui feront battre le cœur du photographe. L’un des principes techniques de base est de choisir la meilleure perspective. La plupart des photos sont prises à hauteur des yeux parce que la plupart des gens se tiennent debout lorsqu’ils prennent des photos.

Il n’y a rien de mal à ces photos et elles semblent naturelles. Mais de temps en temps, une autre position peut être encore plus efficace si le photographe s’agenouille ou choisit une position plus élevée et prend le sujet plus haut. Qui a le temps de tester la hauteur de la position avant le tournage, doit en profiter calmement, car ces changements de point de vue créent des vues complètement nouvelles. La situation est similaire avec l’espace négatif. Les photographes comprennent cela comme la partie de l’image qui n’est pas le motif principal. Son design a un grand impact sur le sujet lui-même et est donc important lorsqu’il s’agit de bonnes photos. Cet espace » vide » fixe le regard du spectateur sur le motif. C’est pourquoi les gens aiment travailler dans une pièce vide avec des détails flous au lieu de nombreux petits détails.

Le métier de la photographie

Vous voulez prendre des photos mais ne savez pas quoi faire attention ? Utilisez votre appareil photo et commencez à vous entraîner. En photographie, il y a de nombreux points importants à prendre en compte. Stephan vous montre dans un court clip, les 10 conseils de photographie les plus importants pour les débutants.

Images en noir et blanc – Le contraste est la clé

La majorité des gens aiment et apprécient les couleurs des photos. Mais les photos en noir et blanc ont leurs propres règles et montrent leur propre monde unique. C’est pourquoi ils existent toujours, même si la technologie est dépassée depuis longtemps. En plus de la beauté unique qu’offrent les photos en noir et blanc, la photographie en noir et blanc a aussi l’avantage de former l’œil pour les lignes, les structures et la composition des images. La couleur dirige habituellement l’œil vers les détails ou les formes qui ne sont pas importants pour la composition de l’image. Dans le contraste noir et blanc pur, les structures, l’espace négatif et les profondeurs de l’image sont plus apparents. C’est pourquoi un photographe amateur devrait jeter un coup d’œil aux réglages noir et blanc de son appareil photo numérique et parcourir la nature pendant un certain temps et, surtout, réaliser toute une série de portraits avec lui. Parce que non seulement les photos de nature gagnent par le contraste noir et blanc, mais aussi les gens montrent d’une manière merveilleuse dans ces photos leur caractère unique.

Tous les photographes aiment leur équipement et aiment l’expérimenter. Mais c’est précisément pour former son propre œil que le photographe amateur doit se concentrer plus longtemps sur un objectif et explorer toutes les possibilités que lui offre cette aide. Parce que cette restriction propre assure que le photographe au lieu d’utiliser plus d’accessoires ou d’aides traite le sujet lui-même et teste ainsi de nouvelles perspectives ou des dispositifs stylistiques, ce qui forme considérablement le sixième sens d’un photographe ambitieux.

Plus simple que prévu – Essayez-le!

Beaucoup d’entre vous publient sur les réseaux sociaux Selfies. N’avez-vous pas toujours voulu avoir une meilleure photo que les autres sur votre profil ?  Pour donner plus de professionnalisme à l’ensemble, Benjamin vous montre en quelques minutes comment faire des photos en noir et blanc dans votre pièce avec une seule lumière. Il peut être si facile de prendre de belles photos dans vos quatre murs.